大多数中国写意画属于？
“写意”是中国传统美学的一个重要概念，最早见于唐代张彦远《历代名画记》中“顾恺之论用笔”条：“凡生人之物，不拘粗细，必以形貌颜色气韵神态为佳；若用笔画成，方谓之写意。”（唐宪宗） 这里说的“用笔”其实就是指作画用的笔触、线条。所谓的“写意”就是在绘画时，不拘泥于物体表面的形似，而追求线条的神似和意境的抒发。
但这里的“写意”还只是一种风格，至多是一种追求的目标而已，与后来的“写意”概念还是有所不同的。 将“写意”作为中国画独特的审美范畴并加以提倡的是元代黄公望。他提出了“用笔不用墨”的概念：“画不用墨，谓之白条；笔不用画，谓之白块。是犹有迹于纸也。”（《叙笔法》，《写山水诀》）也就是说只有用笔，没有用墨，才是中国画中的写意。 但这里的“写意”仍只是强调技法上的“有笔”，其实质所追求的仍然是形似。真正与中国传统写意书法相通的写意绘画，应该是从明代董其昌开始的。
他在继承元人笔墨的基础上，首次提出了“神似”说，认为“读万卷书，行万里路，胸中脱去尘浊，自然丘壑内营……故能随手写出，皆为山立体，皆为人状貌……既无匠作气，自无俗笔。”——也就是在画画的时候，要让画家自己的精神渗透到画面中，而不是让画面霸占着画家本人。这就将传统的“写意”推到了一个更高的境界——它不再局限于技法的形式，而是指向了精神层面。
这种“文人画”的精神实质，在明代李日华提出的“趣”说中得到了最好的阐发：“画至神韵萧疏，惟赵文敏（赵伯驹）得之，至趣味盎然，惟吾师（沈周）得之。”——绘画到了后期，最可贵的是“韵味”“风度”，而这主要就体现在“意”上：“有意而佳者，妙矣！有意而不佳者，拙矣！”“盖笔墨之外，别有韵度，此趣尔。”（《味水轩日记》） 在明代中晚期，许多画家都在孜孜追求一种“笔墨外之意境”，他们或是从书法中来，或是从古人画法中得来，或是从自然景色中挖掘，总之他们都试图寻找一种超越具体物象的精神表达。明末清初人姜绍书称这一时期为“写意天下”。（《韵石斋笔谈》） 清代中期后，这种风气依然延续着。所谓“文人画”的意境被推向了一个又一个的高峰。无论人物山水花鸟，都力求表现画家自己的个性。